Прекрасный август. 5 выставок в Москве, которые стоит посетить
Часто случается, что музеям и выставкам мы предпочитаем концерты и кино, виной чему стереотипы. Между тем концепция этих пространств давно изменилась — музеи из места хранения ценностей превращаются в «пространство для зрителей». Time Out рассказывает, куда стоит сходить в ближайшее время, чтобы вместе с просвещением пришло истинное эстетическое наслаждение.
Пушкинский музей
«Сиена на заре Ренессанса»
Где: ул. Волхонка, 12
Когда: до 3 октября
«Сиена на заре Ренессанса» проходит в Главном здании Пушкинского музея. Русско-итальянский проект — возможность посмотреть работы мастеров XIV-XV веков: Дуччо, Симоне, Мартини и братьев Лоренцетти.
В выставке участвуют произведения из собрания Национальной пинакотеки Сиены, музеев Тосканы и ГМИИ им. А.С. Пушкина. Название выставки раскрывает и географию, и эпоху: Сиена — один из культурных центров во времена, предшествующие Возрождению.
Сиена — город в итальянском регионе Тоскана. В период треченто (1300-е годы) он был центром культуры и политической жизни тогда еще разрозненной Италии. В Сиене сложилась Сиенская школа живописи, здесь же зародилась современная финансовая система.
В XIII-XIV веках Сиена соперничала с Флоренцией — впоследствии жемчужиной Возрождения. В 1260 году между ними даже случилась битва при Монтаперти, в которой победила Сиена. Город стал на время политически независим, что отразилось и на искусстве. Сиенские художники пошли своим путем и не стали, как флорентийцы, последователями Джотто. Произведения мастеров Сиенской школы похожи на иконы: обилие золота, библейские сюжеты, моленные образы. На выставке представлено почти религиозное искусство, цель которого — поклонение.
Отдельное внимание уделите залу с «таволеттами биккернами» — расписными деревянными обложками книг учета, которые заполняли для казначейства Сиенской республики. В России десять образцов представлены впервые. Вообще, то, что выставка случилась в Москве в период пандемии, — уже чудо. Так что не сходить на нее значит упустить возможность познакомиться с Сиенской школой, да и с европейским искусством в целом.
Пушкинский музей, Галерея искусств стран Европы и Америки
«Музы Монпарнаса»
Где: ул. Волхонка, 14
Когда: до 3 октября
«Музы Монпарнаса» — настоящее удовольствие для тех, кто любит искусство XX века: революционное, смелое, свободное. А такое искусство создают такие же свободные и сильные авторы, на этот раз независимые и творческие женщины Монпарнаса. Дух свободы и творчества Монпарнаса позволил им задать тон одной из самых ярких эпох в искусстве начала XX века. Раскрепощенный район Парижа Монпарнас в конце XIX — начале XX веков стал местом, где появились первые художественные академии, куда принимали женщин.
Поначалу, правда, к ученицам-девушкам относились предвзято, ведь женщина в искусстве — «бунт против природы», а не норма, поэтому и цены на обучение были выше почти в два раза. Однако вскоре все поменялось. Женщины стали сами основывать академии, свободно творили или продолжали вдохновлять мастеров на создание новых полотен, скульптур, коллажей и фотографий. Они самостоятельно складывали салоны, но не все любили ассоциировать себя с женским искусством и позволяли называть себя исключительно художниками, никак не художницами.
Залы Галереи посвящены как женщинам-художницам, женщинам-скульпторам, женщинам-модельерам, так и музам творцов. К слову, некоторые из светских дам сами начинали рисовать: остановитесь у наивных полотен Кики и убедитесь в сказанном.
В Париж они приезжали из стран Европы, из Америки и, конечно, из России. Вера Мухина, выполнившая скульптуру «Рабочий и колхозница», уехала в Париж в 23 года, а Ханна Орлова переехала туда из Палестины в погоне за мечтой стать профессиональным модельером. Мария Васильева — русско-французская художница. Она училась в Петербурге, а 1907 году благодаря стипендии уехала в Париж, где посещала студию Анри Матисса и академию La Palette. Позже Васильева основала Русскую академию на Монпарнасе, где впоследствии училась и Ханна Орлова. С 1916 года художница создавала гротескные куклы. Считается, что к их созданию ее подтолкнул модельер Поль Пуаре.
Пока будете ходить по залам Галереи, особое внимание обратите на цитаты, подобранные кураторами выставки — они как нельзя лучше отражают дух эпохи. Чего стоят только слова Октава Мирбо о скульпторе Камилле Клодель: «Бунт против природы: женщина — гений». Остановитесь в зале, рассказывающем о кафе «Ротонда» — знаменательном месте, где собирались художники, где начались отношения Модильяни с Жанной Эбютерн, где мастера могли выпить чашечку кофе, не заплатив ни сантима, взамен оставив рисунок.
Третьяковская галерея
Николай Фешин
Где: Инженерный корпус, Лаврушинский переулок, 12, 2-й этаж
Когда: до 22 августа
На эту выставку стоит непременно сходить, если вы решили познакомиться с творчеством Фешина: выставка закрывается уже в конце недели.
Николая Фешина называют самым знаменитым русским импрессионистом. Художник прекрасно владел карандашом и кистью, ваял скульптуру, пробовал себя в сценографии.
Универсальный мастер модерна сочетал в своем творчестве академический подход к живописи и рисунку, эстетику модерна, импрессионистов и поздних передвижников, экспрессионизм. Фешин экспериментировал: это позволяло ему прийти не к актуальной в то время оригинальности, а найти свой особый стиль. В России художник до сих пор не так известен, как требует того его место в мире искусства. Причина тому — эмиграция в Соединенные Штаты в 1923 году.
Особое место в творчестве Фешина занимает портрет. У него довольно быстро образовался круг заказчиков, однако поначалу художник отдавал предпочтение близкому кругу — родным и друзьям. Обращение к одним и тем же моделям позволило ему достичь глубины в портрете и психологической выразительности. Обратите внимание на руки и лица и руки героев картин Фешина: полотна не просто предают внешнее сходство с натурщиком, они воссоздают его характер, выявляют личность и передают отношение художника к этому человеку.
Коллекция работ Фешина экспонируется в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан. В Третьяковской галерее выставка временная, так что это еще один повод прогуляться по Лаврушинскому переулку или по Большой Ордынке и зайти в Третьяковскую галерею.
Музей русского импрессионизма
«Охотники за искусством»
Где: Ленинградский пр-т., 15 строение 11
Когда: до 29 августа
Музей русского импрессионизма не так популярен, как Третьяковская галерея или Пушкинский музей. Однако время от времени там случаются потрясающие выставки, которые собирают очереди на входе.
В футуристическом здании-цилиндре на территории бывшей кондитерской фабрики «Большевик» представлены как постоянная экспозиция, так и временные выставки. Первая складывается из работ Коровина, Серова и Грабаря, а также картин менее известных мастеров.
На выставке «Охотники за искусством» собраны произведения русского и советского модернизма. Работы принадлежат частным коллекционерам, поэтому увидеть их вживую можно нечасто. Кураторы выставки заявляют, что проект — выставка-исследование феномена коллекционирования в СССР. В советское время частная собственность была отменена, «формализм» (безыдейность искусства в советском понимании) и «декадентство» критиковались. Коллекционеры под угрозой конфискации собирали работы Константина Коровина, Казимира Малевича, Нико Пиросмани, Марка Шагала и других знаковых художников рубежа XIX–XX веков. Поэтому герои выставки — это не только художники, но и коллекционеры, которые вопреки запретам создавали в своих квартирах и загородных домах живописные миры.
О коллекционерах можно почитать как на стендах, так и на сайте музея — про главного врача-уролога СССР Арама Абрамяна, главного художника фирмы «Мелодия» Валерия Дудакова, кинорежиссера Соломона Шустера, врача-психиатра Николая Тимофеева, востоковеда Игоря Сановича и историка Сигизмунда Валка. Арам Абрамян предпочитал приобретать работы Кустодиева, Игорь Санович — Пиросмани. Последний даже одалживал крупную сумму денег у собирателя Костаки, чтобы приобрести работы грузинского художника.
Врач Тимофеев во время Великой Отечественной войны был главным психиатром Красной армии: он занимался медицинской психиатрической помощью на фронте и в тылу и написанием методичек и инструкций. Должность главного психиатра он сохранял до 1968 года. Искусство интересовало Тимофеева на протяжении жизни: он не только пробовал сам рисовать, но и использовал арт-терапию во врачебной практике. Коллекцию живописи Тимофеев если и не скрывал, то особо и не афишировал, как не участвовал и в собраниях ленинградских коллекционеров.
Еврейский музей и центр толерантности
«Маленькое искусство»
Где: ул. Образцова, д. 11, стр. 1А
Когда: до 5 сентября
«Эта выставка — разговор о том, в какое состояние приходит зритель, когда наблюдает за маленьким форматом, какую концентрацию он способен в нас пробудить…» — говорит куратор выставки Мария Гадас.
На выставке «Маленькое искусство» представлены работы Серова и Левитана, Репина и Врубеля. Выставка будто говорит нам: не стоит недооценивать маленький формат — из него складывается значительная часть наследия художника. Наследие мастеров — это не только масштабные полотна или среднего размера картины, но и миниатюры, этюды, зарисовки. Мастер пейзажа Левитан призывал учеников любить маленькие форматы: чем меньше формат, тем меньше вранья.
Выставка сама по себе сложная, многосоставная. Первый зал называется «В сторону большой картины»: в нем представлены работы художников академического направления (Левитан, Поленов, Репин), для которых «маленькости» были подготовкой к работе над крупными полотнами. Этюд Поленова «Константин Коровин в лодке» сам Коровин впоследствии додумал и превратил в картину «В лодке».
Строчки Мандельштама «Такое маленькое царство так много поглотило сна…» приглашают в следующий зал выставки. Тут поэзия сближается с изобразительным искусством, и нельзя пройти мимо миниатюр рисунка мирискусника Сомова. Еще одна редкость — рисунок Врубеля, запечатлевший Всеволода Мамонтова. Третий зал — «Формула вне размера» с авангардом, Казимиром Малевичем и художниками его круга. Четвертый зал называется «Несущественное» — часть выставки, где собраны самые разные художники, от Репина и Серова до Малевича. Беглые наброски только обозначают замысел, помогая зрителям понять, с чего художник начинал свою работу.
«“Камерное” искусство или способ сохранения вида» завершает выставку. Камерность подразумевает и формат, и место. Зал заполнен работам художников, которые подверглись репрессиям. Небольшой формат был для них единственной возможностью свободно творить.
Тема камерности возникла в связи с миниатюрами Михаила Соколова. Художник оказался в заключении, но продолжал работать — так появился цикл миниатюрных работ, размер которых близок к размеру спичечного коробка. Попытка вложить в крошечный формат глубокие душевные переживания свойственна художникам 1930-х годов, которые работали вне соцреализма — направления, признаваемого властью.