Театру имени Моссовета – 100 лет: какие спектакли театра вошли в историю
Театр был основан 3 марта 1923 года на волне нового революционного творчества актером и режиссером Сергеем Ивановичем Прокофьевым как Театр московских профсоюзов и с четкой ориентацией на рабочую зрительскую массу. Коллектив принимал самое непосредственное участие в строительстве новой театральной культуры (советской, а потом российской): он прошел путь от передвижной труппы при культотделе МГСПС через здание на Каретном ряду в саду «Эрмитаж» до постоянной прописки в 1959 году в нынешнем здании, построенном в саду «Аквариум».
Современный Театр Моссовета – все тот же прочный контакт с самой широкой аудиторией, репертуар от классики до экспериментальных постановок и звездная труппа из народных любимцев. В спектаклях можно увидеть Ольгу Остроумову, Валентину Талызину, Евгению Крюкову, Ольгу Кабо, Екатерину Гусеву, Юлию Высоцкую, Евгения Стеблова, Валерия Яременко, Анатолия Васильева, Александра Яцко и других известных актеров.
«Лиззи Маккей» (1955)
Событием театральной жизни стал спектакль «Лиззи Маккей» с участием Любови Орловой по пьесе Сартра «Добродетельная проститутка». Постановка Ирины Анисимовой-Вульф подарила одну из лучших ролей в карьере Любови Орловой, а также стала дебютной для Валентина Гафта.
Казалось, что никакая другая роль не могла так выгодно раскрыть природную органику Орловой, ее уникальное сочетание аристократического достоинства и очаровательного женского кокетства. Не снискавшая славы на исторической Родине пьеса великого французского драматурга и философа-экзистенциалиста нашла признание в СССР. Идею постановки привез из командировки за границу режиссер Сергей Юткевич, видевший в Париже спектакль по этой пьесе и угадавший нужную роль для Орловой.
Сартр специально для спектакля в Театре Моссовета внес правки в сюжет – для представления в Советском Союзе нужно было еще более заострить изобличение изображенных в пьесе пороков американского общества, изменил название, а впоследствии в 1962 году побывал на 400-сотом представлении пьесы в театре и был неимоверно восхищен игрой артистки и признал Орлову лучшей исполнительницей роли Лиззи из всех.
Роль действительно непроста и внутренне, и внешне. Уличная девушка, пошедшая по наклонной, оказывается чуткой, доброй, а также самой честной и чистой в грязном мире американских дельцов. Хоть в спектакле и не приходилось петь, для точной передачи крикливого и шумного темперамента героини Орлова каждый раз распевалась по гаммам. Пригодились и регулярные занятия у балетного станка, которые позволили Орловой работать на протяжении всего спектакля на тонких шпильках.
«Петербургские сновидения» (1969)
Юрий Завадский руководил театром с 1940 по 1977 год и, как верный ученик Евгения Вахтангова, в спектаклях соединял искрящуюся праздничность формы с глубокой психологической проработкой характеров и серьезностью тем, одной из главных среди которых была тема совести.
Сильное эмоциональное воздействие его постановок отмечал Андрей Тарковский. От Вахтангова Завадский также перенял дух студийности, призвание педагога и воспитателя коллектива. За время своей работы в театре режиссер собрал вокруг себя выдающихся артистов, что стало одной из главных традиций Театра Моссовета – театр можно назвать актерским и сегодня. С Завадским работали Вера Марецкая, Ростислав Плятт, Николай Мордвинов, Серафима Бирман, Фаина Раневская. Успех театра он видел именно в цельности труппы.
Спектакль «Петербургские сновидения» по «Преступлению и наказанию» Достоевского с Геннадием Бортниковым — Раскольниковым, Леонидом Марковым — Порфирием Петровичем и Ией Саввиной — Соней Мармеладовой Завадский посвятил памяти Евгения Вахтангова. Режиссер очень тонко смог передать общность вахтанговской школы и поэтики Достоевского в их «трагедийной карнавальности». «Главной темой спектакля, — говорил Завадский, — стало не отчаяние и безнадежность, а конечная вера в добро, в животворящее чувство любви». Гротескные приемы в изображении старухи-процентщицы, металлический каркас, обрамляющий планшет сцены, взлетающий вверх лоскутный парус-занавес, создающий трагическую атмосферу нищеты и порока, но, среди этого, обязательно возникает жажда духовной опоры Раскольникова, надежда на победу в нравственной борьбе. Гуманистическая направленность, вера в светлое начало человека присущи и другим знаменитым постановкам Завадского: «Машенька» (1941), «Отелло» (1944), «Маскарад» (1952), «Виндзорские насмешницы» (1957).
«Дальше — тишина» (1969)
В постановке Анатолия Эфроса по американской пьесе «Уступи место завтрашнему дню» по-настоящему вскипают живые чувства. В 1937 году по этому тексту голливудский режиссер Лео Маккери снял фильм под названием «Уступи место завтрашнему дню». Однако Эфрос убрал одно из обстоятельств пьесы, а именно кризис, связанный с Великой депрессией и приведший множество американских семей к финансовому краху. У нас, лишенная темы критики капитализма, семейная история о двух стариках, оказавшихся брошенными собственными детьми, стала известна благодаря пронзительному исполнению Фаины Раневской и Ростислава Плятта. Оба артиста к моменту премьеры были уже известны и даже работали вместе на киноплощадках – в фильмах «Подкидыш», «Весна» и «Мечта». Они превратили драму далеко не первого круга в подлинную трагедию обедневшей пожилой пары – Люси и Барклей Купер. Трагедия не внешних обстоятельств, а разрушенных семейных связей и вынужденной разлуки.
Последователь метода Станиславского, Эфрос не первый план выдвинул внутренний мир человека – актера и персонажа, в которого он должен перевоплотиться. Значение имел каждый жест и каждая интонация, так что строптивую и очень острую на язык Раневскую, которую все опасались, в этом образе было не узнать – ее Люси печальна, ранима и не боится слез перед разлукой с супругом.
В 1982 году в этом спектакле Фаина Раневская в последний раз вышла на сцену. Ей было 86 лет.
«Царская охота» (1977)
«Царская охота» по пьесе Леонида Зорина стала настоящей сенсацией в театральной Москве от только-только перебравшегося в Москву провинциального режиссера Романа Виктюка.
Уже тяжело болевший худрук театра Юрий Завадский не дожил до дня премьеры, но постановка о событиях времен Екатерины Великой все же успела получить цензурное разрешение, и так в историю театра вошел один из образцовых актерских дуэтов – Маргариты Тереховой и Леонида Маркова.
Постановка о выдававшей себя за княжну Тараканову, внучку Петра Великого, и преданной любимым женщине продержалась в афише театра 27 лет и стала судьбоносной для Маргариты Тереховой. Это то, что окончательно определило и раскрыло ее как неординарную артистку. «Работу Маргариты в этом спектакле можно сравнить с вулканом: вот он молчит, временно спокоен — и в одну секунду — безумие!», — рассказывал о Тереховой Роман Виктюк.
«Правда — хорошо, а счастье лучше» (1980)
После ухода из жизни Юрия Завадского, с 1977 по 1985 год, художественное руководство было отдано Художественному совету в составе Льва Лосева, Павла Хомского, Ростислава Плятта, Людмилы Шапошниковой и Георгия Тараторкина. Но эту роль Раневская выбрала себе сама. Вдохновившись написанной знаменитым исследователем Владимиром Лакшиным биографией Островского, Раневская попросила посоветовать ей малоизвестную пьесу драматурга для своего бенефиса. И Лакшин, и Юрский пытались уговорить ее сыграть властную купчиху Барабошеву. Но в итоге Раневская сыграла в спектакле роль няньки Филицаты, а в своих мемуарах назвала режиссера «настырный Юрский».
Репетиции проходили эмоционально, в спорах, попытках убедить и переубедить друг друга, но в итоге Сергею Юрскому и Фаине Раневской удалось найти общий язык в решении постановки. «Правда — хорошо, а счастье лучше» – последний спектакль с участием Раневской, и тут ей удалось предстать в неожиданном для всех свете, уйти от амплуа склочных старух, в котором ее привыкли видеть. Как артистка вспоминала: «Хоть на старости лет, в последней роли была доброй феей, устраивающей чужое счастье».
Раневская в образе Филицаты выразила всю драму одиночества – чистая, заботливая, добрая женщина, она помогает любви двух молодых людей Платоши и Поликсены, сама же остается никому не нужна. Ее Островский был очень сердечный, скромный и непритворный. Особенно она запомнилась зрителям в финальной сцене, когда нянька Филицата покидала дом, окинув все прощальным взглядом, и напевала песню «Корсетка моя, голубая строчка» (придумка самой Раневской). Так уходила из дома его живая душа.
«Иисус Христос — суперзвезда» (1990)
С 1986 по 2016 год творческой политикой театра руководил Павел Хомский, уже работавший в Театре Моссовета как режиссер-постановщик с 1973 года. Помимо заметных драматических постановок («На полпути к вершине» Питера Устинова с Ростиславом Пляттом и Евгением Стебловым, «Царствие земное» Теннесси Уильямса с Георгием Жженовым, Борисом Ивановым и Валентиной Талызиной), при Хомском Театр Моссовета дает настоящий прорыв жанру мюзикла и рок-оперы в нашей стране. «Странная история доктора Джекила и мистера Хайда», «Иисус Христос — суперзвезда» стали спектаклями-долгожителями.
На моссоветовской сцене представлена первая российская версия рок-оперы «Иисус Христос — суперзвезда». Спектакль интересен тем, что это не прямой перевод оригинальной рок-оперы Эндрю Ллойда Уэббера и Тима Райса, а авторская интерпретация Павла Хомского, новая музыкальная редакция и свободный перевод на русский язык. Спектакль собирает полные залы уже более 30 лет, конечно, предполагая периодическую смену исполнителей – только роль Иисуса успели сыграть 13 разных артистов.
Вдохновившись увиденным на Бродвее спектаклем, Хомский пронес и в конце концов осуществил свою мечту о постановке этой рок-оперы в Москве через череду испытаний: через контроль политического «куратора» и опасность быть обвиненным в «пропаганде буржуазной культуры», необходимость сделать авторизованный перевод либретто (его осуществил Ярослав Кеслер), грамотно представить публике религиозный материал.
В Театре Моссовета «Иисус Христос — суперзвезда» – о высшем проявлении любви, когда можно отдать жизнь за другого человека, а также о том, что в каждом человеке, как Христос и Иуда, сосуществуют светлая и темная сторона.
Чеховская трилогия Андрея Кончаловского: «Дядя Ваня» (2009), «Три сестры» (2012), «Вишневый сад» (2016)
Важная страница истории моссоветовской сцены связана с творчеством театрального и кинорежиссера Андрея Кончаловского. Кончаловский впервые после Московского Художественного театра поставил пьесы Чехова в хронологическом порядке, так, как и были написаны: «Дядя Ваня», «Три сестры», «Вишневый сад». Это сознательное обращение к традиции русского театра, живому прошлому, связанному со Станиславским, Немировичем-Данченко и самим Чеховым.
В каждом спектакле проявляется личность Чехова, например, с помощью документальных фотографий и писем, показываемых на экране. Поэтический мир чеховской драматургии у Кончаловского вообще очень тонко выстраивается с помощью экранных выразительных средств. Экраны-занавесы, экраны-задники, которые позволяют показывать хронику и крупные планы, служат, чтобы связать сценический и внесценический мир, показать связь описанного Чеховым с нашей реальностью.
Сценический триптих Кончаловского, который можно назвать театральным романом из-за своей протяженности, кажется, забытой в ХХI веке, пронизан общностью тем, образов и метафор.
Роман о судьбах на рубеже XIX-XX веков, где каждая из глав играется практически одной и той же командой актеров: Юлия Высоцкая, Наталия Вдовина, Павел Деревянко, Александр Домогаров, Виталий Кищенко и другие.
«ШЕКСПИРГАМЛЕТ » (2022)
В 2016 году после ухода из жизни Павла Хомского художественное руководство взял на себя режиссерский триумвират, в который входили Юрий Еремин, Андрей Кончаловский и Сергей Юрский. В сентябре 2020 года художественным руководителем Театра Моссовета стал Евгений Марчелли.
С начала своего прихода в руководство театра Марчелли выпустил уже несколько программных спектаклей, например, «Жестокие игры» (2021) – остроактуальную интерпретацию пьесы Арбузова и «ШЕКСПИРГАМЛЕТ» (2022) – семейную трагедию по пьесе Шекспира в прозаическом переводе Михаила Морозова.
В первую очередь Марчелли интересуют отношения сына и матери (Гертруда – Евгения Крюкова, Гамлет – приглашенный из Театра Наций артист Кирилл Быркин), дяди и племянника (Клавдий – еще один приглашенный артист – Сергей Юшкевич, актер театра «Современник»), мужа и жены. Клавдий и Гертруда в этом прочтении шекспировской трагедии по-настоящему влюблены друг в друга, не стесняются публичного проявления чувств, а Гамлет своей жаждой мести и глухим непониманием вносит разлад в устоявшийся порядок вещей.
Столь необычная постановка «Гамлета» разделила мнения не только публики, но и специалистов. Самое главное, что спустя сто лет с основания Театр Моссовета все также не оставляет никого равнодушным, в нем происходит активная творческая жизнь, за которой все также интересно наблюдать.